Cuando se trata de diseñar casi siempre creemos que todo se aprende a través de cursos de diseño gráfico, observando o practicando, y que poco tienen que aportar los libros de diseño gráfico. Pero aunque esta disciplina es más un arte que una ciencia, se puede perfeccionar como cualquier otra, y en el momento de aprender, los libros siguen siendo la mejor herramienta.
Descubre los 10 mejores libros de diseño gráfico
Hemos hecho una recopilación de los 10 mejores libros de diseño gráfico que debes conocer y leer cuando estás dentro de este mundo. No importa si eres un entusiasta, principiante o veterano, estas joyas te servirán para ampliar tu visión, trabajar tu creatividad y mejorar tus habilidades en esta disciplina.
La historia del diseño gráfico – Philip B. Meggs y Alston Purvis
Para entender un arte hay que empezar por conocer su historia, y este libro es exactamente eso. Comienza desde los primeros registros de comunicación visual en la prehistoria y la invención de la escritura y los distintos alfabetos de entonces. Después pasa por la época renacentista, la revolución industrial y el modernismo, estudiando la influencia que tuvieron estos movimientos sobre las manifestaciones del arte. Por último, pone el foco en la era posmoderna y el diseño gráfico en plena globalización, con conceptos tan cercanos a nosotros como identidad visual corporativa o revolución digital.
La historia del diseño gráfico es un recorrido impecable por todos los hechos importantes que han convertido a esta disciplina en lo que conocemos hoy. Además, el texto es claro y fluido, y está acompañado de imágenes a todo color en un formato muy bien cuidado. De hecho, su primera versión, en 1983, fue considerada como un “hito en la historia de la edición” por parte de la Asociación Americana de Editores.
Logo modernism – Jens Müller y Julius Wiedemann
Es imposible hablar de libros de diseño gráfico sin mencionar esta obra. Es considerada, por muchos, como la biblia de la disciplina, sobre todo en la rama de logotipos. Se trata de una colección de 6.000 logos creados a lo largo de 40 años, entre 1940 y 1980, que incluye todo tipo de empresas, como concesionarios, cadenas comerciales o marcas de ropa.
El autor examina las ideas modernistas que empezaban a asomarse en aquella época y presenta cientos de casos de estudio, evaluando la identidad corporativa de cada firma.
Sin duda es una pieza que no puede faltar en el repertorio de cualquier diseñador y un acercamiento a las tendencias que han sentado las bases del diseño de logos hasta hoy en día.
Psicología del color – Eva Heller
Este libro ya se considera un clásico dentro de las profesiones relacionadas con el arte y la expresión visual. En él se explica la capacidad que tienen los colores para influir de forma directa en las emociones humanas, así como los muchos matices con los que cada persona puede percibirlos. Su autora, quien también fue psicóloga y socióloga, obtuvo los resultados a partir de experimentos que realizó con más de 2 000 sujetos en Alemania.
Hoy en día cientos de profesionales que trabajan con colores, como diseñadores, arquitectos o publicistas, se basan en las premisas de Psicología del color y las aplican a sus respectivos campos de trabajo, por lo que se ha convertido en una referencia.
Manual de la tipografía: del plomo a la era digital – José Luis Martín Montesinos y Montse Mas Hurtuna
Un básico para entender los fundamentos tipográficos de hoy. Como su nombre indica, estudia la evolución de la tipografía, desde sus orígenes hasta su aplicación actual en medios informáticos, espacios publicitarios y todo tipo de representaciones visuales en nuestra era de la información.
Este manual es completo y detallado, con una estructura similar a la de los textos universitarios, pero entendible y fácil de leer. No solo es un referente en las escuelas de diseño y los libros para estudiantes, sino que se ha convertido en un material de consulta imprescindible para los profesionales durante toda su trayectoria.
Los archivos de Walt Disney: Sus películas de animación 1921-1968 – Daniel Kothenschulte
El ingrediente más importante del diseño es la creatividad, y este libro representa un gran estímulo. Recopila 67 años de trabajo de Walt Disney, una de las mentes más brillantes del siglo pasado, como el mismo libro lo describe. En él se muestran detalles del proceso creativo de sus películas y producciones; bocetos de personajes que se convirtieron en historia e incluso piezas inéditas e ideas de proyectos que nunca salieron a la luz.
A cada una de las películas más representativas de Disney se le dedica un capítulo entero. Desde Blancanieves, que fue su primer largometraje, hasta El libro de la selva, la última de las obras que supervisó antes de morir en 1966. Todo este recorrido, lleno de ilustraciones a mano, secuencias y curiosidades, demuestra que, incluso los proyectos más grandes, pueden nacer de una idea que se traza con lápiz y papel. Tal y como sucede con el diseño gráfico.
Si puedes soñarlo, puedes hacerlo. Recuerda que todo esto comenzó con un ratón.
Walt Disney
Roba como un artista. Las 10 cosas que nadie te ha dicho acerca de ser creativo – Austin Kleon
Kleon escribe este libro partiendo de una premisa: nada es completamente original y todo, o casi todo, ya está inventado. Crear no es más que inspirarse en otra idea, transformarla y convertirla en propia, pero nunca algo que nace de la nada. Así, la creatividad, que muchas veces se ve como un don que solo tienen unos pocos, se presenta como algo cercano y al alcance de cualquiera.
Partiendo de lo anterior, el autor recoge diez principios que te ayudarán a encontrar inspiración, transformar ideas y darle tu propio estilo a cualquier proyecto de diseño. Te servirá para enterrar el mito del bloqueo creativo y de creer que no se te ocurren buenas propuestas. En lugar de eso, aprenderás a encontrar la inspiración en cualquier situación y convertir lo que ya existe, en algo completamente tuyo. Como lo hace un artista.
Pensar con imágenes – Enric Jardí
Este libro de Jardí es la explicación de aquel dicho que reza “una imagen dice más que mil palabras”. Hace un paralelismo entre la forma en que el cerebro humano procesa la información al leerla en un texto y como lo hace cuando observa imágenes. Para esto se vale de 60 ilustraciones en las que analiza la manera en que la luz, las figuras y los colores inciden en la percepción que tenemos de ellas.
A partir de los planteamientos de Pensar con imágenes, los diseñadores pueden aprender a jugar con los elementos de sus composiciones. Así será mucho más fácil transmitir el mensaje, las sensaciones y las emociones que quieren despertar con su arte.
Ortotipografía para diseñadores – Raquel Marín Álvarez
Este manual está pensado para aclarar todas esas dudas que surgen en la utilización de la tipografía en elementos del diseño. Es un conjunto de reglas sobre el uso de comillas, guiones, letras y un sinfín de símbolos gráficos. Toca más allá de lo gramatical y se enfoca en el uso correcto a nivel visual de cualquier composición que se precie. Además, su estilo es ameno y sin florituras, y sustenta con ejemplos e imágenes cada uno de sus planteamientos.
La obra de Marín Álvarez es uno de los mejores libros de diseño gráfico en español y un referente de primera línea en el arte y ciencia de la tipografía. Aunque está pensada para diseñadores, que es la ocupación de la autora, otros profesionales de la comunicación gráfica, como escritores, editores y periodistas, pueden sacar mucho partido de ella.
El diseño como storytelling – Ellen Lupton
En un momento en que saber contar una historia es tan importante, este libro se centra en la idea de hacerlo a través del diseño. Partiendo de aquí, explora la forma en cómo se pueden utilizar conceptos y argumentos narrativos para crear imágenes, productos y espacios que cuenten historias de un vistazo.
La estructura del libro está organizada en “actos” como si fuese una obra de teatro (muy apropiado para la idea que busca transmitir). El primero es Acción, y se centra en los elementos que tejen cualquier narrativa, resumidos en argumento, nudo y final. El segundo acto es Emoción y trata de la conexión y la influencia del diseño sobre las emociones humanas. Sensación es el tercer acto y se adentra en los estímulos y las percepciones conscientes e inconscientes que nos generan las imágenes. La última parte no se titula como un acto, sino simplemente como Secuelas, una especie de resumen con herramientas para aplicar la teoría a la práctica y verificar los puntos más importantes que pueden convertir cualquier diseño en una historia.
Grandes secretos del lettering – Martina Flor
Cerramos esta lista con un libro sobre lettering, una de las ramas del diseño gráfico que más notoriedad ha tenido en los últimos tiempos. El trabajo de Flor va desde la definición del lettering, que tanta confusión y dudas genera, hasta detalles como la textura, el color y los ornamentos de este arte de dibujar letras.
Grandes secretos del lettering está escrito de forma clara, pero sin caer en la informalidad, e ilustra sus párrafos con bocetos propios de la artista. Gran parte de la tipografía, en especial la usada para hacer indicaciones en las ilustraciones, tiene un estilo de manuscrito que le confiere más cercanía y personalidad al libro. Como dato curioso, los ejemplares comprados en su web vienen firmados por su autora en la primera página, un detalle que cualquier entusiasta de los libros valora.
El camino de un diseñador nunca se termina de recorrer. Cada día surgen nuevas técnicas, tendencias y programas que llenan de matices el quehacer de esta profesión. Por eso nos hemos asignado la tarea de recopilar los mejores libros de diseño gráfico, o de nociones aplicables a él, que seguro serán de utilidad en tu recorrido. No solo te servirán para ampliar tus conceptos y encontrar inspiración e ideas, sino que te darán una nueva perspectiva que te ayude a dar con tu propia esencia. Este es, quizás, el mayor reto de este arte en el que todo parece ya inventado.
